Q&A: ShakinArt on MOVE W I T H (OUT)#4 Venice

MOVE W I T H (OUT) traveled to Italy during the final weekend of the Venice Biennale and visited the 3D Gallery in Mestre and the Officina delle Zattere in Venice. At both spaces, two live art interventions, collectively titled “Play in Two Acts – The Justice” were presented in conjunction with the trunk project. ShakinArt presented the first live art intervention at 3D Gallery. The artists, Jonathan De Checchi and Marco Zocca JeanPierre share their thoughts on their experience with us here.

Something Human: The project MOVE W I T H (OUT) Venice was presented during your performance at the 3D Gallery in Mestre. How do the themes explored by the trunk project (travel, migration, crossing boundaries) relate to your practice?

ShakinArt: The notions of ‘travel’ symbolised by the trunk, represent the basis of our artistic research. We both share an innate passion for travelling, towards which we dedicated extensive periods of our lives. If we had to identify one of the sources of inspiration for our practice, we would definitely find it in the experiences we had abroad where the exchanges we have with other cultures, show us quite clearly the limits of our vision.

Our research focuses on destroying these limits through the attempts at representing the realities which our ‘Western culture’ wants to forget. We reject the current status quo where wars occur because of manmade arbitrary borders, as well as the lines that divide those who starve from the ones who have abundance but waste resources. With our work, Shakinart wants to address our complicity in building a global system of which we are at once creators and victims.

Something HumanI posed a similar question to Adolfina De Stefani who not only curated your installation at the 3D Gallery, but also presented the second part to the live interventions. The two performances presented in Venice were inspired by the ‘Lapedusa Shipwreck’ news report, which had a great impact on Italian public opinion. These two live art interventions were critical toward the Italian authorities’ behaviour in the occasion that delayed the rescue. Could you please tell us more about your perspective?

ShakinArt: The role played by the Italian government or by the police was not mentioned during the opening performance nor  in the installation itself. It was not our intention to suggest that there was a clear and easy scapegoat, but to show the guilt shared by everyone – how we were all complicit, by asking the public to symbolically walk on the portraits of those victims in the installation.

Aside from this, if we had to express a personal opinion about the role played by the Italian government, we would say it was awful; not only for the management of the refugee streams at all levels (i.e. the immigration shelters), but for the indifference toward the ‘external world’, an attitude which also reflects that of the average Italian citizen. Let’s consider the actual political class as an exact representation of the three common generalisations of the Italian population: the ‘indecisive’, the ‘blatant capitalists’ and the angry but unengaged. They share the same apathy and blindness towards the real problems of the country, and yet still hope to endorse the very system which has already demonstrated itself to be disastrous in managing our planet’s resources and creating unbearable conditions of injustice for human beings.


Something HumanThe audience was deeply moved by the installation and the live art performance, which was presented in collaboration of young Anna Gardellin. Did you expect this response? How did you interpret this?

ShakinArt: It was more that we hoped for such a response. We laboured a whole week to complete the installation, working from 6pm to late every night, and we were assisted by a number of friends who worked with us, whom we can’t thank enough. We were extremely committed to the project, and we knew when you do something from the heart it brings the results. However we also believe that even if it were only one single person who would have gone home with questions after seeing our work, then all this exhausting work would still have been rewarded. Though the outcomes of our endeavours may vary, we still feel a satisfaction as our work is based on the certainty that art for us is not a temporary passion but a constant necessity.

Something Human: ShakinArt is described as an ‘Artistic Project […] supported by a wide and diverse pool of young emerging artists’. Could you please tell us more about how these relationships contribute to your creative process?

ShakinArt: While Jonathan and I personally work on every possible detail of our artworks, we are not deluded to think we are necessarily the best placed to complete our intended work. We understand that some ideas that cross our minds can be better realised by others for more effective results. We are not afraid to involve anyone, in anyway we consider suitable, with the only condition that the collaborator must have a serious desire to collaborate and build something together. We also seek out talented artists who have different visions in order to create opportunities for debate and fully test the underlying message of the project.

We don’t think of ourselves as just creators but also as ‘channels’ for an ‘other world’. If we have an aim, it is that which values the importance of that world, from which everyone draws on unconsciousl, while usually ignoring it. This “other world” and the freedom it offers frightens most people.


Something Human:  In your artist statement, you state an aim of ‘shaking the art’ i.e., of mixing it up. Is this aim focused on the Italian or Venetian art scene where you work, or does it also have a wider field of reference? Following that, could you please also tell us more about what you think about contemporary art in Italy?

ShakinArt: Our artist statement is not related to any artistic microcosm, it is not just about our domestic scene, rather, it summarises our overall vision. Along our different journeys, we have asked ourselves a lot about what means to be artists, or to ‘do art’, and the answer we found is that all the answers are wrong. The only definition we know, is that art is a creation, and the goal of a creation is to have a function, and in the specific case of art, that art has ‘to make a communication’. That is the only rule we follow – every work we make, must communicate something.

While simple, this isn’t banal – nowadays in the artistic world, there are a lot of self-indulgent people who are ready to transform into art every insignificant object, inventing fictional and self-celebratory meanings. For us, it only becomes meaningful when the performance has ended, and chatting with the audience, we understand that our message has moved them.

As artists, we don’t want to hide behind empty philosophies or play on facile ‘understand-don’t-understand’ concepts. For us,  art is a social instrument, so it has to have a real effect, not only a pretence. I’m not talking about a mental process of art creation but an emotional one.

The lucidity we desire is not achieved by analysing every element we build into our work, but in looking to facilitate more significant but subtle channels, like the ‘conscience’ and the symbolic keys that communicate within it. Thus we hope our work will have a surprisingly provocative impact. If the audience is stimulated and moved, it signals to us that our art is valuable. If this doesn’t happen and the public didn’t receive a clear message, and identified our actions only from an aesthetic point of view, (even as the aesthetic is an important factor), we can’t be satisfied and must try harder to improve the content the next time.

Interview in Italian by Anna Viani
Translation and interpretation by Alessandra Cianetti and Annie Jael Kwan
Photos by alikati


Il progetto nomade MOVE W I T H (OUT) è stato in Italia nel weekend finale della Biennale di Venezia 2013 ospitato dalla Galleria 3D di Mestre e dall’Officina delle Zattere di Venezia e, in entrambi gli spazi, la performance in due parti, “Opera in due atti – La Giustizia”, è stata presentata con le opere di MOVE W I T H (OUT). Il primo atto della performance è stato realizzato da ShakinArt alla galleria 3D e gli artisti Jonathan De Checchi e Marco Zocca JeanPierre hanno condiviso con noi la loro esperienza.

Something HumanIl progetto MOVE W I T H (OUT) Venice è stato presentato con una vostra performance ospitata dalla Galleria 3D di Mestre. In che modo i temi rappresentati dalla valigia (viaggio, migrazione e attraversamento di confini) entrano in relazione con la vostra pratica artistica?

ShakinArt: Il viaggio, rappresentato simbolicamente dalla valigia, sta alla base della nostra ricerca artistica. Abbiamo entrambi una passione innata per il viaggio, cosa a cui abbiamo dedicato diversi periodi della nostra vita, e se dovessimo identificare una sorgente per le nostre ispirazioni, certamente la troveremmo nelle nostre esperienze all’estero. Lo scambio con le altre culture ci mostra in modo chiaro e netto i limiti della nostra.
La ricerca di ShakinArt è incentrata senza mezze misure sulla distruzione di questi limiti, attraverso un’opera di rappresentazione di quella realtà che tanto vuole essere dimenticata della nostra società occidentale. Non possiamo accettare che a causa di una linea immaginaria chiamata “confine” la guerra possa esistere o scomparire; da un lato della linea c’è la fame e la morte, dall’altro la prosperità e lo spreco.
I confini, il denaro, l’intero sistema economico sono nostre creazioni; creazioni di cui siamo diventati schiavi e ShakinArt vuole mostrare come noi tutti siamo vittime delle nostre opere, quindi voltando il concetto: artefici del nostro stesso dolore.

Something HumanPropongo anche a voi la domanda che ho posto ad Adolfina De Stefani. La performance che avete rappresentato in collaborazione con la Galleria 3D di Mestre, si ispira al fatto di cronaca del “Naufragio di Lampedusa”. Il punto di vista che emerge dalle rappresentazioni è piuttosto critico nei confronti del ruolo giocato dalle forze dell’ordine italiane che hanno ritardato i soccorsi. Sarebbe interessante capire meglio il vostro punto di vista al riguardo.

ShakinArt: Il ruolo dello stato italiano o delle forze dell’ordine non è mai stato menzionato ne’ durante l’inaugurazione ne’ all’interno dell’installazione. La nostra volontà è stata quella di non fornire un facile capro espiatorio ma di mostrare la “colpa” dentro ognuno di noi chiamando chiunque a calpestare simbolicamente il volto di quelle vittime.
Aldilà di questo, se dovessimo esprimere un’opinione personale sul ruolo dello stato italiano, questa sarebbe pessima: non solo per la gestione a ogni livello dei flussi di rifugiati (vedi i centri di “accoglienza”…) ma principalmente per l’indifferenza di fondo verso il mondo esterno che contraddistingue il cittadino italiano medio. Consideriamo infatti la classe politica attuale come l’esatta rappresentazione della popolazione italiana: la fazione degli “inconcludenti”, quella dei “capitalisti” e ora la nuova fazione degli “incazzati”. In comune hanno l’indifferenza e la cecità nei confronti dei problemi reali: tutti sperano ancora di risollevare un sistema che si è già dimostrato fallimentare nella gestione delle risorse, insostenibile per il pianeta e iniquo per gli esseri umani.

Something HumanIl pubblico è rimasto profondamente colpito dalla vostra installazione e dalla performance realizzata con la collaborazione della giovane Anna Gardellin. Vi aspettavate un tale coinvolgimento? Come lo interpretate?

ShakinArt: Più che un’aspettativa, era una speranza. Abbiamo dedicato una settimana al completamento dell’installazione, dalle 18 a notte fonda, ogni singolo giorno, aiutati  da una moltitudine di amici che hanno perso il sonno insieme a noi e che non finiremo mai di ringraziare. Il nostro impegno è stato massimo e quando fai qualcosa con il cuore, questa non può far altro che portare i frutti sperati. Crediamo fermamente che se quella sera anche una sola persona fosse tornata a casa con un punto di domanda dopo aver visto la nostra opera, allora tutto quell’estenuante lavoro sarebbe stato ripagato. Questa serenità che possediamo, nonostante gli esiti dei nostri sforzi, è dovuta a un fatto molto semplice: per noi l’arte non è una passione ma una necessità.

Something HumanDefinite Shakinart come un “progetti artistico […] supportato da un ampio e mutevole bacino di giovani artisti emergenti”. Che ruolo assume questa relazione nel vostro processo creativo?

ShakinArt: Io e Jonathan ideiamo e realizziamo personalmente ogni dettaglio delle nostre creazioni ma ciò non ci illude di essere necessariamente i migliori operatori per portare a compimento le nostre intenzioni. Ci rendiamo conto che alcune idee che ci attraversano la mente possano essere realizzate da altre persone con risultati migliori e più efficaci. Non abbiamo timore quindi di coinvolgere chiunque, in qualunque modo crediamo sia opportuno, a patto che possieda una seria volontà di costruire.
Crediamo di non essere dei “creatori” in senso stretto, ma piuttosto dei canali verso un “mondo altro”. Se ci attribuiamo un merito è unicamente quello di non sottovalutare l’importanza di quel mondo a cui ogni essere vivente senza rendersi conto attinge ma normalmente ignora. La libertà spaventa. E’ per noi naturale quindi indirizzare le nostre volontà verso talenti che possiedano visioni diverse dalla nostra, per scatenare un confronto e per spingere infine ogni nostro messaggio al massimo di ciò che ci sembra possibile.

Something HumanTra i vostri obiettivi c’è quello di “scuotere l’arte” o “frullarla”. Questa affermazione può essere in qualche modo riferita al mondo dell’arte veneziana o italiana in cui operate o ha una sfumatura più ampia? E come definireste il mondo dell’arte contemporanea in Italia oggi?

ShakinArt: La nostra affermazione non è relativa a nessun microcosmo artistico, tantomeno a quello di casa nostra bensì riassume la nostra concezione di arte. Nei nostri differenti percorsi ci siamo interrogati molto su cosa voglia dire essere un artista o “fare dell’arte”; la risposta che ci siamo dati è che qualsiasi definizione è quella sbagliata.
L’arte è creazione, sappiamo solo questo, e lo scopo di una creazione è compiere una funzione, nel caso dell’arte è più corretto dire: compiere una comunicazione. Questa è l’unica regola alla quale sottostiamo: ogni nostra opera deve comunicare.
Questo concetto non è per nulla banale nel mondo artistico moderno in cui esistono stuoli di autarchici pronti a far diventare arte qualsiasi oggetto inisignificante, ricamandoci sopra dei significati inesistenti e autocelebrativi.
Dal nostro punto di vista la nostra opera ha senso solo se, terminata una performance e chiacchierando con la gente del pubblico, ci viene confermato che i nostri significati hanno raggiunto la loro interiorità.
Non vogliamo nasconderci dietro vaporosi concetti filosofici o giocare su un facile “capisco/non capisco”, l’arte per noi è uno strumento sociale, in quanto strumento deve funzionare a pieno e non “far finta” di funzionare.
Non sto parlando di un processo mentale di messa a punto delle opere ma di un processo emozionale: la chiarezza alla quale puntiamo non sta nel vagliare con la nostra psiche ogni elemento che costruiamo ma piuttosto nel ritrovare l’importanza dei canali più sottili, come il mondo della coscienza e le chiavi simboliche che si possono trovare per comunicare in esso. L’impatto spiazzante e provocatorio è quindi una conseguenza naturale per le nostre creazioni poiché, se uno spettatore viene colpito e dentro di lui qualche tassello si sposta, questo è il segnale che effettivamente la nostra arte ha un valore.
Nel caso contrario, cioè quando notiamo che il pubblico non ha ricevuto nessun messaggio chiaro ma ha identificato le nostre azioni solo da un punto di vista estetico (nonostante l’estetica abbia la sua importanza), sappiamo di essere fuori strada e torniamo a lavorare sui contenuti della nostra opera per migliorarli.

Intervista: Anna Viani
Revisione: Alessandra Cianetti
Fotografie: alikati


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